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400 人浏览美术演义—中小学课堂学习新广角
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/ 美术演义—中小学课堂学习新广角　
第五回 文艺复兴众画家垒筑历史高峰 佛罗伦萨三杰才执掌时代牛耳　　意大利大放光彩。三巨匠脱颖而出。百岁的提香得了鼠疫。丢 勒的妻子在街头卖版画。蒙娜·丽莎的微笑永远是个谜。米开朗基 罗的墓碑上刻的是“大卫”。拉斐尔爱圣母。　　话说到 14 至 16 世纪，世界绘画史上崛起了一座巍峨的高峰。四百多年 来，让无数的艺术家敬仰不已。它，就是文艺复兴时期的欧洲绘画。提起文艺复兴，在这里有必要费些笔墨做一番介绍。 经济往往总是文化艺术发展的后盾，文艺复兴也是如此。公元 13、14世纪，欧洲的封建贵族和骑士阶层开始没落了，富有的商人、市民开始强大 起来。这在意大利表现得最突出。　　意大利半岛是联系欧洲和东方的纽带。印度、波斯的物产，特别是香料， 非常受波斯人的欢迎。商人们经常用马和骆驼驮着这些物产，横越小亚细亚， 然后装船运到意大利的港口。在那里上陆后运往欧洲各地销售。意大利的港 口，特别是威尼斯，垄断了这种通商利益。　　后来，这种利益受到了阿拉伯人、土耳其人的威胁。于是，发生了著名 的十字军东征的战役。从 1096 年第一次远征以来，一百七十年间，开往小亚 细亚的大军就有九次。十字军东征，一般都称为了夺回圣地耶路撒冷。但是， 其中的商业利益也是一个重要原因。据说，这次东征，是威尼斯的商人们为 了维护自己的垄断利益，极力劝请罗马教皇和王公贵族发起的。远征，使威 尼斯更加繁荣起来。同样，佛罗伦萨和其他城市，商业也非常繁荣。出现了许多富裕的商人。就这么，崭新的商人文化和市民艺术诞生了。这种市民的文化艺术运动，就 是“文艺复兴运动”。被中世纪近千年的禁欲主义笼罩之后，市民们十分渴望自由欢乐。他们对教会宣扬的“神性”、“神权”、“神道”深恶痛绝，对封建等级特权与 禁欲主义，展开了猛烈地抨击。在斗争中，他们借助古典文化作为自己的有 力武器。尤其是东罗马帝国灭亡后，拜占庭帝国的许多艺术家和学者，不能 安居乐业，就带着珍贵的书籍、古希腊艺术品等，亡命逃到意大利讲学，更 加深了人们对古典文化的了解。于是，轰轰烈烈的“复兴古典文化”的运动， 就首先在意大利兴起了。从 15 世纪中期开始，文艺复兴运动很快传播到欧洲 各国。　　文艺复兴并不是对古希腊、罗马文化的简单重复。它的核心思想，就是 提倡以人为中心，主张个性解放，宣扬个人的幸福高于一切，蔑视所谓的“天 堂”。同时，也瞧不起贵族的世家出身，嘲笑僧侣的愚昧无知，提倡科学， 自由。在美术创造上，主要描写人和人的生活。构图讲究变化，强调色彩明 朗，线条生动活泼。自由的艺术环境，孕育出了一大批杰出的艺术家。　　文艺复兴时期，意大利出现了几大画派。而佛罗伦萨画派的艺术成就最 高。这个画派里云集了当时意大利最著名的美术家，他们的作品，充分地表 现了崇高的人性和人的情感，否定被神权支配的基督教神秘主义。他们把解 剖学和透视法，用于美术创作，使人物形象准确生动，空间布局合理。让我 们看一看，他们在世界画坛上的辉煌成就吧！在佛罗伦萨，文艺复兴时期绘画较早有新意的画家，是奇马部埃。据传说，他从小喜欢画画，每天都去看亡命逃到佛罗伦萨的一个画家画画。当时， 他就从这个画家身上吸取到了希腊精神。后来，他很快成为一名匠人画家， 他的画，表现出了中世纪画从来没有的生气。　　可以看看他的《圣母与圣婴》。画上把重要的人物画得大，次要的人物 画得小。可以看出来，他还是在用观念绘画，构图还算不上非常合理，技术 上也还有点拘泥形式。不过，与中世纪的作品比较，那要自然生动得多。　　奇马部埃还留下了这样的传说。他受佛罗伦萨市民的委托，为一个教堂 画一幅祭坛画。在他以前，佛罗伦萨的人从来没有看到过这么漂亮的绘画。 人们从他的画室到教堂，排着热闹的长队，举着旗子，吹着喇叭，运送他的 作品。后人称奇马部埃为“画家之父”。　　奇马部埃和当时的匠人画家一样，经常到各个城镇巡游。他还受到那波 利国王的邀请，为国王工作。有一天，他在郊外散步的时候，发现一个放羊 的男孩，正在石头上不停地画着什么。他走近一看，男孩长着一个古怪的面 孔，但是，他画的画却非常好。画的全是羊的画像，这使奇马部埃很佩服。 于是，他劝男孩说：“你不要放羊了吧！作我的徒弟，好不好！”　　当然，这个男孩是求之不得的，有说不出的喜悦。他回家告诉了父亲， 马上得到了父亲的允许，作了奇马部埃的弟子。他的技术提高相当快，后来， 终于超过奇马部埃，成为一代大师。当年的这个男孩，就是大名鼎鼎的乔托。 当乔托渐渐成为一个大画家的时候，按照当时的风气，要游历意大利的 各个城市，锻炼技巧，然后，再回到佛罗伦萨。他是小说家薄伽丘的朋友， 和诗人但丁也是好朋友。但丁总是赞扬乔托的画，而乔托也非常尊敬但丁， 并在一幅题为《乐园》的大壁画中，画了但丁的肖像。乔托除了在佛罗伦萨 作画外，从 1308 年到 1334 年间，还在比萨、维罗纳、弗拉拉、拉文纳、乌 尔比诺、阿累索、路加、那不勒斯等地，绘制壁画。此后，他以被任命为佛 罗伦萨大教堂工程的总负责人，并被授以“大师”称号。不用说，他也画基督的画像。《犹大之吻》，是乔托最有代表性的《圣经》历史画杰作之 根据《圣经》传说，犹大是耶稣的 12 使徒之一，相当自私贪婪，以三十块银币为代价出卖了耶稣。在逾越节的晚餐桌上，耶稣指出他是出卖自己的人。他知道自己的丑行暴露了，就提前溜走，并立即给敌人引路，前来捉拿 耶稣。这幅《犹大之吻》，描绘的是犹大领来了敌人。他们有手里举着灯笼、 火把、兵器的士兵，有祭司长和法利赛人的打手，恶狠狠地冲进客西马尼园 拘捕耶稣。犹大走在前头，直奔到耶稣跟前，与耶稣亲吻作为认人的暗号。 画面以多人物的复杂场面来展开。画家有意借这个题材，来表现光明与 黑暗，正直与邪恶之间的尖锐矛盾。画上的基督形象，是作为道德完善的崇高象征来表现的。　　同样，圣法兰西斯柯的事迹也非常吸引他。圣法兰西斯柯是 10 世纪左右 的人，出身在一个贵族的家庭，一度过着骄奢淫逸的生活。后来，他渐渐地 感受到神的荣光，就离开了尘世，出家做了僧侣。从此，他在阿西西的山中， 恪守宗教戒律，过着极端清苦的生活。可他的爱心和善行也一天天增加。法 兰西斯何对小鸟和花草，也都有一颗真诚的爱心。最有名的故事，是他曾经 把鸽子集聚起来进行说教。　　法兰酉斯柯死后，人们在阿西西修了一个教堂纪念他。乔托就在教堂的 墙壁上画了圣人一生的事迹。　　　　这些作品都相当有名，不过，人们最感兴趣的是他画的《圣母与圣婴》。 奇马部埃也画过同样题材的作品，两幅画的构图也非常相似。从二者比较中， 可以更清楚地看到，乔托的画更富有文艺复兴时期的特点。乔托画中的圣母， 也比奇马部埃画的更有生气，似乎更严肃，虔诚。那年幼的基督，也似乎显 得更聪明。这幅作品充满着精神力量，技巧也更熟练。明显表现出向着新的 时代发展。乔托性格正直、豁达，不拘小节，一生中留下不少轶话。 在一个夏季炎热的日子里，他正在聚精会神作画，那波利国王来到他的画室。国王对乔托说：“如果我是你，这么热的天，我就不工作”。乔托听 了以后，对他说：“如果我是国王，的确是不会做工作的”。　　还有一次，罗马教皇派来的使者说：“教皇想请佛罗伦萨的画家画画， 可不知谁画得最好，想要样品看看，才可以决定是不是雇用你。”　　乔托眨了眨眼，把画笔在一桶红颜色里用力蘸了一下，随便一挥就在纸 上画了很大的红圆圈，然后，递给了使者。“这就是我的画，你看吧！喜欢 吗？”使者看了这个大圆圈，真是目瞪口呆，“乔托的画原来就是这个样子！” 使者带着这个大圆圈去见教皇。教皇说，“就一个大红圆圈，别的什么也没 有！”“是的，圣父。他是个目中无人的蠢驴！给了他这么好的机会，他却画了个空心大圆圈！”使者很生气回答。 “告诉我，他不用圆规，画起圆圈来困难吗？” “不困难，圣父。他把笔往桶里一蘸，一挥而就。” “唔，是这样！这个圆圈画得真不错，圆得很。他肯定有一副好眼力，还有一把好手劲，才能画得这个样子。好了，就选他了。”　　这是传说中的一件趣闻。它除了说明乔托画的基本功好以外，还体现出 了他的人格，不趋炎附势，不畏强权，还敢嘲弄统治者。乔托上了年纪后，精力仍然十分旺盛。58 岁以后，不再画画，开始从事建筑。现在耸立在佛罗伦萨的“乔托之塔”，就是他晚年的作品。 在乔托之后，佛罗伦萨出了一位有名的僧人画家，名字叫弗拉·安其里柯。但这不是他的本名。弗拉·安其里柯，意思是“天使的兄弟”。　　安其里柯，是一个清高、虔诚的人。据说，他画画的时候，总是一面祈 祷，一面作画。他又是非常谦逊的人。有一次，罗马教皇让他作主教，他说： “不，我虽然能够画个画什么的，但是不能作主教，去管理僧侣们。”他拒 绝了教皇的好意。　　据说，他从小就喜欢树木、花草和小鸟。他二十岁时进修道院作僧侣， 当时的僧侣，除了奉祀神以外，每个人还要作一种世俗人的工作，比如，农 民、木匠、医生、教师等工作。那么，安其里柯呢？他喜欢画画，当然选择 了拿画笔的工作。　　当时，印刷术还刚刚萌芽，书籍都是手抄的。安其里柯就担任写经文的 工作。不仅仅写文句，还要在经书上作精美的插图、装饰。这可是他最拿手 的。他一点也不嫌厌烦，长年累月一丝不苟地工作。有一天，他脑中出现天 使的幻影以后，就画了许多天使的画。　　故事是这样的：有一次，他画天使，没画完就疲倦地睡着了。不一会， 不知从什么地方飞来了真的天使，拿起安其里柯的画笔，把那幅画补齐了。 安其里柯的画纯洁清高，但是，又有点孩子气，使人看起来觉得十分优　　雅动人。他的早期代表作《变胎告知》和《圣母加冠》，都给人这样的感受。 在他的画中，处处充满温柔的抒情，是文艺复兴时期的自由主义的一种表现。 他以前，是没有这种绘画作品的。　　稍后不久，出了一位大师，他集这些人所长，而且远远凌驾于他们之上。 此人就是波提切利。　　波提切利生于佛罗伦萨，父亲是个皮匠。他少年时代嫌弃学问，似乎是 个没有出息的孩子。父亲就打算让他做金银工艺匠。不过，他很喜欢画画， 而且很有绘画天资。15 岁的时侯，父亲把他送到画家菲利浦·利比的门下学 圆。　　利比是一位虔诚的教徒，又是一位现实主义的画家，他最善于表现世俗 生活情感。波提切利跟随利比到佛罗伦萨附近的波拉多城作画，利比花了四 年时间为该城的大教堂作壁画。四年的学徒，使波提切利的艺术知识和技巧 提高很快。后来，波提切利又到佛罗伦萨著名雕刻家安德烈·佛罗基俄的工 作室学习，就在这里，他与文艺复兴的伟大巨人达·芬奇同学。　　波提切利还受过当时另一位著名画家安东厄奥·波拉尤奥罗的艺术影 响。这位画家最善于表现人体。波提切利就这么博采众家之长，融汇到自己 的艺术之中。所以，日后成为佛罗伦萨画派早期最杰出的代表画家。在佛罗伦萨画派当中，他是最富于幻想的。当别人都对基督教的画着魔的时候，他大胆地开始画异教的画题。有名的《春》和《维纳斯的诞生》就 是代表。《春》是根据意大利诗人彼里西安的寓言长诗构思创作的。描绘的是清晨黎明时分，在幽静的桔林草地上，布满了盛开的鲜花。画的中央站着盛装 打扮的维纳斯，面容略带忧愁。画像似乎想通过画中形象和环境，来象征自 然万物的生命力。维纳斯衣着整齐，仪态显得肃穆庄重。但是，画家并不是 想特意塑造美神，而只是想塑造一个平凡的女性。在维纳斯的右边，是三个美神弗罗基尼、阿格莱西、查利亚。他们在天上分管宴会、舞蹈和交际，也分别代表美丽、青春和欢乐。女神们显得高雅 绰约，翩翩的舞姿中隐含着逢场作戏的难色；三美神右边是一位健美的男青 年，他叫赫尔密斯，是宙斯和赫拉生的儿子；在维纳斯左面一组神像中，上 方一个是西风神塞非尔，正在用双手抓住想逃走的山林女妖克劳瑞斯。女妖 一跃而变为容光焕发的花神，正身披花衣衫，在撒播花朵。她的前面，是娇 健的春神。也有人说，风神是在推着花神和春神来到人间。春神和花神一起， 把花草撒遍大地。这里的女神们，实际上是美好春天的化身。　　《春》既然是表现春天的，环境又十分美好，为什么画家不表现春暖花 开，而偏要创造出一种阴冷的气氛呢？好像是春天到来的一阵西北风，给人 一种春寒的感觉。那么，女神们为大地送来了春意，又为什么不见一丝笑容 呢？相反，看上去，她们内心并不愉快，像是笼罩着一层淡淡的哀愁，使画 面呈现出一种微妙的、多少有点伤感的诗意。有人认为，这种伤感反映了当 时贵族文化的悲观主义。　　波提切利出身低微，但是，他以杰出的才华跻身于上流社会。他还在年 轻的时候，就已经是佛罗伦萨的统治者——美第奇宫庭中的座上客。在宫廷 里，波提切利接触了人文主义者、作家和诗人们。所以，他的画常常具有一 种诗的抒情气质，同时，也多少带点贵族的哀伤。据说，《春》是波提切利奉命创作的。画中的美神，是以当时的著名美女茜蒙奈塔作为想象中的模特的。茜蒙奈塔 16 岁嫁给佛罗伦萨的委斯普琪， 不久，就被美第奇的弟弟朱里安诺看中，把她抢占过来。她 22 岁时，在美第 奇家举行的选美会上当选为“女王”。可是，第二年，就暴病死亡。在她出 殡的时候，不用棺材，而是让她仰卧在车上，四周围上鲜花。全城的人看了 以后，无不为之惋惜。波提切利更是如此。所以，他在画这幅画的时候，就 不免把自己的这种情绪带到了人物身上。　　《维纳斯的诞生》就更光彩照人了。它和《春》是波提切利全部作品中 的两颗明珠。画面描绘的是美丽的西西里岛的传说：爱和美的女神维纳斯， 从珍珠贝壳中诞生出来。时候是春天，也是吹着西风。于是，女神的身体被 风吹佛着，像耀眼的光焰一样颤动。因为女神不是凡人，就不能像人一样站 在地上，画家让她忧郁地站在贝壳上。正在给女神穿上美丽的衣服的，当然 是花神弗罗拉。　　考察一下这两幅作品，主题都是反基督教的。画上所描绘的女神的容颜， 都带有情欲的意味，具有人类的忧郁。虽然是遥远时代的希腊女神，却给人 一种近代人的感觉。女神们都被画成披着极薄的纱，或是裸体，但是，都没 有一点害羞的样子。这在中世纪封建时代的绘画中，是从来没见到过的。我 们在波提切利的作品中，第一次看到充分发挥了文艺复兴的精神。但是，作 者却因此遭受恶运，受到当时宗教狂热分子的残酷迫害。佛罗伦萨真是人杰地灵。这以后不久，产生了世界美术史上的三位巨匠，他们就是：达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。他们的艺术成就，古往今来有 口皆碑。不过，他们留到后面再来评价。且说佛罗伦萨的艺术，在拉斐尔死后，急剧地衰落下去。同时，也使整个意大利文艺复兴美术衰退。 花开两朵，各表一枝。再说说意大利另一个水上城市——威尼斯的情景。15 世纪的威尼斯是欧洲最大的海上强国，它是近东和欧洲海上贸易中心，据说全城有 20 万人从事商业手工业生产。政权掌握在新兴的资产阶级手 中，这些人追求享乐，就特别需要艺术品。所以，促进了艺术的繁荣。威尼斯的艺术曾受到拜占庭和北欧的艺术影响，而且，更是吸收了佛罗伦萨画派的艺术成就。到了 16 世纪，形成了独特风格的威尼斯画派。 他们画的题材大多数是宗教和神话故事，但是，更重视表现人的欢乐、狂热和激情。内容上以爱情、酒宴、裸体女子较多。与佛罗伦萨画派相比，他们重视色彩，十分讲究色彩变化。有时候，把物体画得模模糊糊。为什么 不画清楚？那是有原因的。威尼斯是海边的水上城市，那一带水蒸汽总是很 多。所以，物体的形象常常看起来带点模糊，而且十分柔和。早晨，傍晚， 太阳的斜晖映照，所有物体又时时闪烁着美丽的光辉。那么，威尼斯派的绘画，从谁开始，又是怎样发展的呢？ 威尼斯派是从一个叫雅科布·贝利尼画家开始的。不过，传授这一派画法的，还是安东奈洛·达·梅纳。 在威尼斯画派当中，有一个人可给众画家撑了门面，他就是乔尔乔内。 乔尔乔内是农民的儿子，品性善良好学。没有受过很多教育，但是他刻苦努力。他喜欢吹笛子，所以，他的画里，吹笛子的人物非常多。著名的《田 园的合奏》就是这样。另外，他的画，色彩非常美，人们都认为有音乐的和 谐。那一定是他对音乐感兴趣，很能理解音乐的美。乔尔乔内才华出众，但是英年早逝，只享受到 33 个春秋就与世长辞了。他的生平，很少有人知道。作品保存下来也不多，最多只有 7 幅。最主要的 作品有《田园的合奏》、《三个哲学家》和《沉睡的维纳斯》。提香的出现，威尼斯派绘画达到了顶峰。 提香是将军的儿子，从小就不爱读书，一到上学的时候，就跑到城外，到山野森林里去游逛。要不，就到郊外摘花，将花揉烂取出它的汁液画画， 家庭教师对他一点办法也没有。他的父亲只好把他送到威尼斯去学画。　　老师是乔瓦民·贝利尼。最初，提香很听贝利尼的吩咐，学贝利尼画的 风格。在贝利尼的弟子中，这时还有乔尔乔内。他年纪较大，所以，也教给 提香一些东西。后来，提香一点也不听老师的了，只听乔尔乔内的教导。贝 利尼很生气，把两个人都开除了。他们没有办法，只好靠画画维持生活。不 过，提香的画总是更受欢迎。因此，乔尔乔内感到没趣，两人的关系开始疏 远。不久，乔尔乔内就早亡了。此后，威尼斯就是提香一个人的天下了。　　36 岁时，提香认为自己有足够的能力和资格担任威尼斯共和国画师的职 位了。这时，恰巧老画师贝利尼去逝。提香应威尼斯政府的聘请，接替了国 家画师的职位。这一下，提香有机会广泛地结识各方贵族。所有到威尼斯的 亲王、贵族、学者和知名人士，也都一定会去拜访提香。　　到 57 岁时，提香的交往简直达到了高峰。就连罗马教皇，当时最大的封 建君主，西班牙国王兼罗马帝国皇帝的查理五世等人，也都与他有交往。他 们的思想必然对提香的艺术创造产生影响。所以，在上层社会里，他的创作 是最有威望的。同时，他与威尼斯进步的人文主义学者，有着广泛的友谊。 在最反动的年代里，他坚决维护民族尊严，反对教会专制。提香善于使用华丽的色彩，他用这种技巧陆续画了许多出色的作品，令人惊叹不已。他特别擅长描绘出金色的调子，产生了“提香的金色”这个词 汇。据说，米开朗基罗看见他的色彩，赞美地说：“如果形象再正确一点， 就会成为世界第一的画家。”《天上的爱与人间的爱》，是提香青年时代的代表作品。究竟画的构思是什么，谁也不太明白。不过，大致可以这样认为，穿衣裳的女性代表纯洁 的天上的爱；而完全裸体的，坐在井边的，举止有点轻浮的，表示人间的爱。 但是，也有人解释的正好相反。提香晚年最主要的代表作品是《抹大拉》。抹大拉是圣经中所写的一个妓女。因受耶稣感化，忏悔了过去的罪恶，得到了上帝的赦免，最后，成为 圣女。画中的抹大拉眼睛仰望苍天，眼圈发红，充盈着泪水，好像正在为自己过去生活的罪孽而深深哀痛。近处的骷髅，说明她已经看破红尘；摆在骷髅 上的圣经，说明她笃信宗教。但是，破碎了的衣服从肩上脱开，是为了显示 她丰满的肉体。在肥腴的手指按抚下的胸脯，似乎正在起伏。从画中可以看 出，提香是要把神圣的东西拉回到凡间来。　　提香是画家中生活最幸福的人。他像米开朗基罗那样长寿，活到 99 岁； 又像拉斐尔那样幸运和得宠。他有很多钱，住在像宫殿一样的家庭里，过着 豪华的生活。直到最后得鼠疫病死去。　　提香确实是威尼斯派最大的画家。不过，他之后，还有天才人物。其中 最杰出的是他的两个弟子，一人叫丁托列托，一人叫委罗奈斯。　　丁托列托是“染匠的儿子”的意思。画家的真名叫雅科布·罗布斯其。 不过，现在谁也不叫他的真名。　　　　丁托列托从小喜欢画画，在家里的地板上、染坊店的墙壁上，到处都画 满了画。父亲为此很骄傲，请求提香收他为弟子。但是，他桀骜不驯，一点 也不遵循老师的教导，终于，被提香赶了回来。可是，他对这件事毫不在乎。 他的志愿，就是要具备提香的色彩和米开朗基罗的形象。他以旺盛的精 力，画了许多出色的大幅的画。他说，如果画幅不大，就画得不完全，不好 看。他的《天国》壁画，画在威尼斯宫殿的大厅里，与米开朗基罗的《末日审判》在一起，可以称得上是世界上最大的壁画。 关于丁托列托性格暴躁的特点，留下这么一个趣闻：有一次，一个弟子把画卖给了商人，但买主觉得价钱太高，于是，想 请丁托列托看一看值不值。 到了他家，丁托列托看了那幅画，马上火冒三丈，当场给了弟子一耳光。商 人大吃一惊，又很高兴，以为这样一定可以用很贱的价买到手了。没想到了 托列托说：“傻瓜！你怎么把这么好的画卖得这么贱！”　　委罗奈斯性格活泼，画了许多威尼斯的祭典、宴会等热闹豪华场面的画。 他喜欢画那些愉快欢乐的场面，特别善长用银色调子作画。和提香的金色相 对，也有“委罗奈斯的银色”说法。　　16 世纪以后，佛罗伦萨派开始衰退；17 世纪以后，威尼斯派又失去繁荣。 盛极一时的意大利文艺复兴宣告结束了。与此同时，在尼德兰、法国和德国， 也曾经一度繁荣，产生了著名的画家。尼德兰，就是现在的荷兰、比利时。在尼德兰，出现了一个画家之家，那就是勃吕盖尔一家，这一家中最有名的是老勃吕盖尔。 他是尼德兰偏僻农村的农民的儿子，是个有点不可思议的人。性格特别独特，画题离奇古怪。当时，绝大部分的画家，都是以基督故事、神话传说，或贵族、僧侣的肖像为主，还有富裕商人的家庭生活。勃吕盖尔却描绘农民 的生活、民间的习俗。画出像《一群乞丐》、《村中结婚仪式》等画。此时，日耳曼民族中出现了丢勒。他的整个艺术活动标志着德国文艺复兴的光辉灿烂时期。 丢勒的画具有版画的特征。尤其是他画人的头发，特别丝细流畅。他访问威尼斯时，威尼斯派的大师贝利尼认为，丢勒肯定用特殊的笔画头发。他想要一支丢勒用过的画笔。没想到，丢勒拿出一大把普普通通的画笔，叫他 随便拣，说自己用的就是这种笔，并且当场表演，让贝利尼十分惊叹。不过，丢勒的生活并不富裕。他的妻子甚至拿着小木版画到市场上去叫卖。　　然而，最能代表意大利文艺复兴成就的，当数佛罗伦萨派的“三杰”， 他们是达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。先谈谈人类文化史上的巨人达·芬奇。　　达·芬奇是个私生子。1452 年 4 月 15 日出生在佛罗伦萨西北的芬奇镇。 他的父亲是当地一个富裕的公证人，母亲是个朴实的农家妇女。在他刚出主 不久，父亲就和一个富商的女儿结了婚，母亲也改嫁同村的一个人。达·芬 奇从小就是在继母和祖父母的管教下长大的。　　达·芬奇从小非常善于思考，喜欢画画和玩弄粘土。他常拿着写生本到 街上去，喜欢把容貌显得奇怪的笑态速写下来。同时，他多才多艺，对音乐、 数学、地理、建筑、医学、工程学等学科，也都有浓厚的兴趣。　　达·芬奇很想当一名画家，但遭到父亲的反对。不过，这也难怪，那时 的画家是低人一等的，父亲希望自己的儿子当一位律师。小芬奇下定决心要　　说服父亲。 有一天，他在一块木板上画了一条逼真的可怕的龙，放在半明半暗的房门口。当父亲踏进他的房门口时，突然失声惊叫逃走。这时达·芬奇笑嘻嘻 地抱歉说：“爸爸，别怕，那是我画的龙。我知道我画得很好”。达·芬奇 赢了。父亲知道儿子在绘画上有才能，决定在芬奇 17 岁时全家移居佛罗伦 萨，同意送他到当时的艺术大师委罗齐奥那学画。　　不久，达·芬奇就掌握了一般的绘画技术。1481 年，当他 29 岁时，得 到了施展才华的大好机会。他接受了为圣多那托修道院描绘祭坛画《三贤王 的礼拜》的任务。这幅画的题材来自圣经故事。故事讲的是：东方三贤王看 到了一颗不可思议的星出现，认为这标志着救世主的降临，就前去礼拜刚出 世的圣婴。这个题材早就有人描绘过，但达·芬奇这次作了新的构思，使众 多的人物群像得到了完美的统一。　　当然，他真正的作品，还是 1487 年作为米兰大公的客人，住在米兰之后。 达·芬奇具有多方面的才能。在 1483 年，他曾经给米兰大公写过一封自荐书， 他说：战争时，他可以发明武器，筑垒城堡；和平时，他会兴修水利，建筑 宫殿；他又是医学家、音乐家、戏剧家和画家。因为他多才多艺，很受米兰 大公欣赏。达·芬奇在米兰居留时所画的作品中，最著名的是《最后的晚餐》。这幅画是画在圣·玛利亚·德尔·克拉基阿教堂的餐室墙壁上的，据说，前后 用了两年时光。这幅画取材于圣经故事中的“设立圣餐”这一节。在逾越节 的一个晚上，耶稣预知他的死期将临，和他的 12 个门徒共进最后的晚餐。正 在进餐时，耶稣对门徒说：“你们中间有一个人出卖了我！”这句话刚说完， 门徒们顿时引起闪电般的反应。他们个个都感到突然。有的转身，有的站起 来向主发问：“主，是我吗？”耶稣回答：“同我蘸手在盘子里的，就是他 要出卖我。”犹大就问：“拉比，是我吗？”耶稣回答：“你说的是。”画 面就表现 12 个门徒一瞬间的戏剧性场面。全画总共 13 人，基督坐在当中。12 个门徒分成四组，平均排列在左右两边。左边一组由巴多罗米奥、安德烈、小雅哥三人组成。巴多罗米奥好像 怀疑自己的耳朵听错了，从座位上跳起来，手按在桌上，面向耶稣，情绪激 动；安德烈双手张开，手指向上；夹在中间的小雅哥紧张地由背后伸手到第 四个人的肩上，形成了两组间的关系。这三个人都面向耶稣。右边一组，由马太、达太和西门组成。三人听了这骇人听闻的消息后，不由地谈论起什么来，三人的手都伸向画面的中心。 中右一组，是多马、老雅哥、腓力浦。多马伸出一个指头，好像在问老师：“有一个人要出卖你？”和他坐在一起的老雅哥张开两手，动作十分惊 讶：“这是多么可怕的事呀！”年轻的腓力浦则用双手掩着胸部，似乎在说： “难道怀疑我对老师有背叛行为吗？”　　中左一组的彼得、约翰和犹大三人最富有表情，也是画上的主要角色。 坐在耶稣旁边的约翰歪着身子眼睛向下，两手手指交叉，有气无力地放在桌 上，显得非常忧愁；火暴脾气的彼得，情绪激昂。他从座位上跳起，似乎在 问约翰，叛徒是谁？他手中已握了一把切面包的刀，无意地靠近了犹大的肋 部。对于犹大，达·芬奇采取了特别的表现手法：他听了耶稣的话后，情绪 紧张，身子稍往后仰，右臂支在桌子上。右手紧握钱带，露出一种抑制不住 的惊恐。这 13 个人中，只有犹大的脸色是灰暗的。　　　　坐在中央的耶稣，摊开双手，把头侧向左边，表情显得无可奈何。这 13 个人，年龄、性格、身份都不一样，达·芬奇表现他们十分贴切。尤其是把 每个人的心理和感情都准确地描写出来了。　　达·芬奇画这幅画十分辛苦，搜集了无数的资料。教堂的主持人嫌他画 得太慢，去向米兰大公暗中汇报，说达·芬奇整天游荡，很少画画。当大公 问达·芬奇时，达·芬奇和蔼地回答：“画家必须想好了才能动笔，特别有 两个人头，我至今也画不好。一个是基督的那种仁慈的美，一个是犹大的头， 我想不出一个人得到了那么多好处，竟会背叛他的恩人。不过，为了快一点， 我觉得把教堂主持的头像用上去算了。”吓得主持再也不敢去催促他了。　　他作了许多人物速写。最后，他在下层的无赖人物中找到了一个，可以 充作犹大的头像。他一边画，一边作笔记：“一个人饮过酒，把杯子放下， 头转向说话者；另一个人，合拢双手，紧蹙双眉，看着自己的同伙；还有一 个人，伸出两手的手掌，把肩耸到了耳边，嘴上又显出惊奇的状态”等等。 五百多年过去了。这位艺术巨人的伟大作品，对于今天的画家和观众， 仍然具有极大的魅力。但是，壁画是采用油胶混合画法，容易剥落。再加上 米兰气候潮湿，画受腐蚀严重。在 17 世纪时，教堂在壁画的下部开了一个门， 彻底破坏了画面的完整性。1726 年，曾经进行过最初的修复工作。但是，70 年代后，由于法军的占领重遭破坏。尤其是 1800 年，这个食堂成了法军仓库， 盖世巨作被尘埃淹没了。之后，又进行过三次复修，几乎恢复了往日的光辉。 但第二次世界大战的炮火，再一次震得壁画斑落，几乎完全毁坏。只是近年来，许多专家精心修复，才保持了今天的面目。　　不久，达·芬奇离开米兰去佛罗伦萨，在那里画了有名的《蒙娜·丽莎》， 留下了世界上最“神秘的微笑”。据说，蒙娜·丽莎是佛罗伦萨一位银行家 大佐贡多的妻子。达·芬奇在画她的时候，她才 24 岁。这位夫人刚刚失去自 己心爱的女儿，常常郁郁寡欢。画家在画她的肖像时，为了让她面露微笑， 想出种种办法：请乐师给她奏乐唱歌，或者说笑，让快乐的气氛帮助她展现 笑容。画上的蒙娜·丽莎呈现的笑容很微弱，但是，可以从她的眉宇间看出 内心的愉悦，一丝微笑似乎刚从她的脸上掠过。稍稍翘起的嘴角，微微舒展， 可以让人感到这位妇女在被画的时刻的心情。但她那安详的仪态，表明她的 微笑是平静的，不致引起情绪上的波动。蒙娜·丽莎的微笑显得特别有魅力， 所以，美术史家就称它为“神秘的微笑”。在作画的过程中，有一次，达·芬奇走近蒙娜·丽莎，惊奇地发现，这两只手是多么美妙啊！他用柔和的语调说道：“夫人，如果您不反对的话， 我想描绘一双不加装饰的手，另外，脖子上的项链也请夫人去掉。”蒙娜·丽 莎急忙从手上退下戒指，从脖子上脱下珍珠项链。画上的那双手，丰满、柔 嫩，显示了她的温柔、文雅。　　在作画过程中，达·芬奇被蒙娜·丽莎的美迷住了，并且偷偷地爱上了 她，就使这幅肖像的创作成年累月拖延下去。不过，画家是把她作为一种理 想来爱恋的。但是，肖像总是要完成的，那是在四年之后的事了。　　对于蒙娜·丽莎的微笑，几百年来曾使多少人为之倾倒，也引起了许多 评论家奇妙的想象。还有的说，是“谜一般的微笑”，是“神秘的微笑”， 是“魅惑的微笑”，还有的说，是“邪气的微笑”。不同的人，从不同的角 度去理解她的微笑。只要站在这幅画的面前，都会被蒙娜·丽莎深深吸引。 曾经留下过这样的故事：有个英国人，把这幅画的复制品挂在墙上，早晚都　　望着她，始终没有解开蒙娜·丽莎的谜，结果发了疯，用手枪击穿心脏死去。 还有一个故事：欧洲大战时，一个意大利青年画家把这幅作品从巴黎卢 浮宫美术馆偷走。原因是，意大利人达·芬奇的名作，竟成了法国人的东西， 他觉得无法忍受，青年画家偷去了，但是无法处理，他觉得把它卖掉是件可耻的事。没有办法，自己去坦白，作品再一次回到卢浮宫。 达·芬奇一生画了许多画，可是，他的晚年非常孤独冷清。据说，是因为出现了精力充沛、年轻又富有天才的米开朗基罗夺去了他的名声。1516 年，达·芬奇移居法国。三年后，他在法兰西国土上与世长辞了，享年 67 岁。他的学生和朋友，佛朗西斯科·麦尔基说：“芬奇的死，对每一个人都 是损失，造物主无力再塑造一个像他这样的人物。”　　公元 1475 年 3 月 6 日晚上 8 时，意大利佛罗伦萨附近的卡普莱泽，迎来 了一代天才“巨人”的降临。这个初生的男孩，就是米开朗基罗·波纳罗蒂。 母亲在生下他后就离开了人世。他是在一个石匠的妻子哺育下长大的。14 岁时，他被送到画家基兰达约的工场学艺。他的技艺提高很快，使老师感 到很震惊。不到两年，他又转入美第奇家学习雕刻。　　当时，佛罗伦萨城的中心人物，是美第奇家的罗伦索。此人是个大银行 家，而且，十分喜欢有学问和艺术才华的人。他喜欢米开朗基罗的纯朴、真 诚，不仅给米开朗基罗薪水，还像对儿子一样对待他。然而不久，罗伦索去世，他的儿子科西莫作了美第奇家的主人。他一点也不热爱艺术，而且，对米开朗基罗冷冷淡淡。米开朗基罗一气之下，离开 佛罗伦萨去了罗马，这一年他才 24 岁。他在罗马制作《哀悼基督》的雕像， 作品受到欢迎。后来，佛罗伦萨人民呼唤他回来。再三思考后，他回到了故 乡，把在当地沉睡了多年的巨石，变成了闻名世界的《大卫》英雄立像。从此，米开朗基罗的名望远播，新任教皇朱理二世召他到罗马。对他说：“你为我修建陵墓”。这是他施展才华的好机会。他很快设计了一个雄心勃 勃的陵墓草图，使教皇十分感动，立即下令动工。在创作过程中，他和教皇 建立了十分密切的关系。这为他带来了光荣，也引来了灾难，激起了一些人 对他的妒嫉。这段时间中，他创造了《胜利者》雕像。在他 55 岁时，因守城失败得罪了教皇。教皇强迫他继续承担以前的陵墓工程，方可免去守城之罪。在这样的不愉快中，大师雕刻了《昼》、《夜》、《晨》、《暮》四个男女裸体雕像。 当时他不是画家。教皇宫中的西斯廷礼拜堂的墙壁和拱顶壁上还没有画，要决定找人来画。那些嫉妒米开朗基罗的人，想使他丢脸，就建议说：“让米开朗基罗来画好了。”正好，教皇也有这个意思，就吩咐米开朗基罗 去画。　　开始，米开朗基罗拒绝说：“我是雕刻家，不是画家。”但是教皇不听。 米开朗基罗无可奈问开始工作了。这幅壁画上，画有 300 多个裸体人物，取 名《末日审判》。他在创作时，倾注了全部心血。从早到晚仰着头，连晚上 也点着蜡烛画。据说，由于长期仰着头作画，当作品完成的时候，有一段时 间连头都不能转。此画可称得上是一流杰作。本来打算使他丢脸的人，此时， 哑口无语了。　　后来，出现了血气方刚的拉斐尔，动摇了米开朗基罗霸主的地位。可他 不服气，竭力与拉斐尔较量。曾经留下了这样的故事：有一天，他看见拉斐 尔带着许多从者到梵蒂冈宫廷去，就嘲讽说：“怎样啦，真无聊极了。简直　　像被押送到牢房去一样。”拉斐尔也毫不示弱。他看见米开朗基罗孤单一人， 就说：“嘿，简直像个被驱逐出境的人。”　　尽管两人的关系很坏，但事实上，又都互相佩服。拉斐尔偷偷地学习米 开朗基罗的雄壮有力，米开朗基罗却学习拉斐乐的优美。　　米开朗基罗为艺术贡献了自己的一生。有位朋友对他说：“太遗憾了！ 你没有娶一个妻子，应该多生几个孩子，把你多年劳苦的光辉业绩当着遗产 留给他们。”他回答说：“我已经和一个女人，这就是常常使我痛苦的艺术 结合，生育的孩子太多了。我的孩子就是作品，它们在我死后将留传于世。”　　1564 年 2 月 11 日，米开朗基罗与世长辞了。在临终前，他遗憾的不是 生命的结束，他对帮助他忏悔的红衣主教说：“在我刚刚对艺术有点入门的 时候，我却要死了。我正打算创作我的真正的作品呢！”《大卫》塑像，使米开朗基罗名彪青史。 在圣经故事中，大卫是古以色列的国王。他少年时是个牧童。当非利士人侵犯以色列时，大卫到前线给他的哥哥送饭。敌方的哥利亚十分凶悍。正 当以色列人无法抵挡时，大卫用甩石机杀死哥利亚，挽救了整个国家。他小 小年纪，就立下奇功，后来，成为以色列的国王。这个圣经上神话传说中的 人物，被米开朗基罗作为爱国英雄的象征。而且，他还说：当领袖就应该像 大卫一样保卫祖国。雕像很大，高有两米五。大卫双目凝视前方，左手拿着投石器，似乎正准备投入一场新的战斗。 雕像完成以后，放在什么地方呢？这是人们讨论的热点。因此，佛罗伦萨政府专门为此设立一个委员会，邀请许多著名艺术家共同讨论。最后，还是尊重米开朗基罗本人的意愿，放在市政厅的门前，作为城市保卫者的象征， 鼓舞和教育后代子孙。不过，现在原作被佛罗伦萨美术学院珍藏，市政厅门 前立着的是复制品。米开朗基罗在他 70 岁时，终于完成了《摩西》，这尊雕像被称为“近代雕刻的最高成就”。这座雕像是半人半神、基督教与异教的完美结合。《摩西》题材也是来自圣经故事。 摩西也是基督教传说中的一个英雄。在他 83 岁高龄的时候，率领 60 万以色列人摆脱了埃及的统治。在摩西身上，米开朗基罗把他塑造得目光炯炯，具有无限的洞察力，能刺透一切狡诈与虚伪。他那延伸到腰部的长胡须，增 强了他的神圣权威和尊严。那捋着长须、青筋突出的双手，显示出了内在的 精神力量。头上两只像角的东西，是权力、威严和刚毅的象征，这是以色列 传说中的圣光。　　同时，米开朗基罗为朱理二世陵墓创造了两个奴隶雕像。一个是《垂死 的奴隶》，一个是《被缚的奴隶》。《垂死的奴隶》雕像，双目紧闭，并不 像垂死，好像在睡眠中一般。胸前的绳索，象征着暴力与专制。艺术家并没 有让奴隶表现出极度痛苦。《被缚的奴隶》，运动节奏非常清楚，人物壮实 的躯体扭曲，力图摆脱身上的绳索。他的面部，显露出坚强不屈的意志。有 人称他为“反抗的奴隶”。不知什么原因，这两尊奴隶雕像没有安放在陵墓 前，而是转送了别人。意大利文艺复兴时期第三位大画家是拉斐尔。 拉斐尔出生在乌尔比诺城，父亲是宫廷画师。他 16 岁时，到一个叫鲁其诺的画家那儿学画，这位画家的作品大多数是明朗的牧歌式的情调，拉斐尔受他的影响相当深，初期作品就具有这种风格。 当时，年轻的拉斐尔听说，达·芬奇是意大利第一的大画家，非常向往，就到佛罗伦萨研究达·芬奇的艺术。这使他的卓越的才能得到了更大的激发。 从此以后，他创作了许多出色的作品。　　拉斐尔非常英俊，性格温和，举止优雅，是一个人人见了都喜欢的青年。 但是，非常可惜，一代天才画家只活了 37 岁。在他短暂的一生中，画了将近300 幅画，其中，大多是圣母的画像。由于圣母像数量很多，所以，要在前 面加上定语，比如，《花园里的圣母》、《座椅中的圣母》、《大公爵的圣 母》等等。　　当然，最有名的还是《西斯廷圣母》。在画面上，我们看到：圣母怀中 抱着年幼的基督，乘着云朵从天而降，来到了苦难的人间，给人们带来了光 明和希望。在圣母的两侧随从的，是年老的教皇和圣女巴尔巴拉。画的下方， 有两个顽皮的小天使。　　我们看画中的圣母不是被华丽的衣衫装饰起来，头上也没有戴着闪烁发 光的桂冠。她赤裸双脚，身上披着一件布斗篷，怀里抱着一个胖得可爱的圣 婴，完全是一副普通年轻妇女的形象。这位崇高的圣母玛利亚，优美、匀称 的体形显得沉静安详。她的两眼闪烁出深沉而善良的光辉，同时，还流露出 有点恐惧和不安。两只手，深情地搂抱着小圣婴。整个形象显示出纯洁、朴 素动人的魅力。拉斐尔把圣母画得出神入化，栩栩如生，使他登上了荣誉的高峰。因此，委托他作画的任务应接不暇。后来，他不得不建立庞大的作坊，让许多助手 和弟子帮忙代笔。很快地，罗马教皇把他接进了梵蒂冈宫内。要不是英年早 逝，拉斐尔在宫廷的地位，很可能非常显赫。到了罗马以后，拉斐尔在教皇签字大厅描绘了反映古代科学、哲学等文化繁荣的《雅典学院》。这幅画以古希腊哲学家柏拉图建造的雅典学院为题。 画面上汇聚着不同时代的 50 多位大学者，其中有柏拉图和亚里斯多德。他们 在自由讨论，情绪十分热烈。艺术家出色地画出了每个人的学风和性格。画面的色调处理也十分和谐。背景全是乳黄色的大理石建筑物，人物的衣饰有红、白、黄、紫、赭等颜色，相互交错。同时，画面的立体感也相当 强。到拉斐尔的时代，画家已经不是匠人，而是受人尊敬的“艺术家”了。拉斐尔很富有，过着幸福的生活。但是，就在他画《基督升天》时，中途去 世了，年仅 37 岁。他的艺术一直都是纯朴生动的，不偏不倚，圆满和谐，被 认为几乎是完美无缺的。所以，人们尊称他为“画家的王子”。而且，他所 画的《圣母》像，受到所有人的欢迎。比如，在英国，要是说那个女人“像 拉斐尔的圣母一样”，就等于说，那个女人有说不出的美。欲知后事如何， 且听下回分解。第六回 巴洛克至罗可可迎合贵族性好 荷兰派与现实画摹写民众生活　　巴洛克本是一颗畸形的珍珠。鲁本斯给皇太后画像。艺术家们说 贝尼尼刻的是“非驴非马”的东西。委拉斯开兹身在宫廷心在外。伦 勃朗的画有多少？圣母变成了农妇。街上流行罗可可。　　翻开词典，巴洛克这个词，原来指的是西班牙的一种珍珠工艺品，西班 牙人把一种巨大的畸形的而且还是变色的珍珠称作为“这个是巴洛克”。今 天，人们差不多已经忘记了巴洛克的原义。现在的人说巴洛克，主要是用于 建筑上的一个名词。　　什么样的建筑才叫巴洛克呢？话得说到 16 世纪以后，当时，以意大利为 中心，一种奇怪的建筑突然又时髦起来，说它“又时髦”是因为大画家米开 朗基罗曾经创作过这种建筑。这是一个巨大而沉重的建筑，大得让人惊异， 重得也很奇怪。大概是人们从这种建筑想到了那种巨大、畸形、会变色的珍 珠，所以，把这种建筑叫作“巴洛克”风格，并常说“这是巴洛克”。　　说具体点，比如：柱子大得不得了；屋顶上安置许多的雕像；一眼望去， 健壮如牛的建筑等等就是巴洛克。建筑上的巴洛克也传染给了雕塑，雕塑上 的巴洛克人的姿势夸张，让人激动；衣服的皱褶，凹陷很深，甚至出现阴影。 巴洛克还一传不可收，波及到室内的装饰、家具，像椅子、桌子和衣架都给 人沉重威严的感觉。巴洛克艺术最初起源意大利，而不是生产巴洛克珍珠的西班牙。17 世纪的法国最崇尚它，当时的法国人认为这种巨大沉重又奇怪的建筑和雕刻很可 爱，于是，连服装、日常的礼仪都是巴洛克式的。说法国人喜欢巴洛克，有一个有趣的原因：　　17 世纪中期的时候，法国的国王是路易十三。这个国王算是有才之人， 任命有名的大主教黎塞留和马萨林为宰相。这两人也是魄力非凡，压制了大 贵族，确立了王权。国王的儿子路易十四上台，接过的是一个强大王权的法 国。国泰民安，路易十四无事可做，于是便借王权强盛之际，和荷兰、西班 牙、意大利打仗，连战连胜，王权也越来越扩张。然而，物极必反，国家国 库被打空了，国力也就衰退了，那是后话。不过，路易十三、十四时代，法 国大有欧洲霸主之势。要成为欧洲的霸主，就必须有霸主的威严，什么才能体现这种威严！法国人认为，巴洛克的风格正合其意。于是，他们大兴土木，在巴黎的郊外建 筑了一座有霸主威严的宫殿，这就是著名的凡尔赛宫。　　建筑体现出霸主的威严，雕刻也立即附和，一律表现出巴洛克的式样， 巨大而笨重。庭院室内装饰、家具的设计等等都是如此，巴洛克无处不在， 最后，连出入宫廷的贵族、贵妇人的服装、礼仪作法、言谈举止都变成隆重 威严的，原先的女性以柔软娇弱为美，现在却绝对不允许，因为这显然不是 巴洛克风格。　　出入于国王路易王室的人要巴洛克，远离国王的人也开始附庸风雅，迫 随这种倾向，喜欢巨大而威严的东西，自己的性格也变得忘自尊大和高傲， 他们认为这种性格才是巴洛克风格的。在这群追随者中，僧侣和商人最积极。 人都变得巴洛克了，作为艺术的绘画更不能超脱这种风气之外。所以， 在国王要称雄的时代，法国的绘画中大多也都是具有庄严感的所谓的巴洛克　　式的作品。 法国人最崇尚巴洛克，巴洛克在法国也沸沸扬扬了很多年，但令人可笑的是，法国在巴洛克时代，却没有出现过一位真正的巴洛克风格的大画家， 而巴洛克式的裙子却几乎穿在每个妇女的身上。　　唯一的一个名气较大的巴洛克画家是普桑。如果以普桑的血缘关系说， 他还不能完全算是法国人，他生于诺曼底，从小到了巴黎，并成为一名画家。 都说巴黎花花世界，人间天堂，然而，普桑却身在曹营心在汉，一心向往意 大利的艺术，他几次想去意大利，好容易达到目的时，他已 4O 多岁，放射光 华的年岁已过。　　俗话说“龙眼识珠”，普桑到了意大利的罗马以后，声誉高涨，甚至受 到罗马大主教的保护，荣耀无比。　　普桑的名声有一天终于传到了法国，国王路易十三才意识到，本国的人 才已经外流，于是，写信要召他回国，普桑虽不愿意，但那儿毕竟是自己的 故土，也就在 1640 年回到了法国，生活在宫廷里，受到优厚的款待。普桑念 念不忘的是自己在罗马的艺术，好容易熬过了两年，终于又去了罗马，以后 再也没回法国，令路易十三国王大为遗憾。　　不过，普桑在法国虽只呆了两年，但也没负国王的重望，给法国的绘画 史留下了重大的足迹，他的《阿尔卡迪亚的牧人》和《诗人的天启》，都是 表现健壮的男性的宏伟壮丽的画，被人们认为不愧是巴洛克的绘画大师。法国没出大的巴洛克画家，但它所支配的一个小国法兰德斯却出了欧洲第一个巴洛克画家，也是最伟大的巴洛克画家，他就是天才的鲁本斯。 法兰德斯是哪儿？它是尼德兰国在荷兰独立以后剩下的那一部分，在今天的比利亚以及附近的一些地区。　　法兰德斯虽是小国，但它被法国的政治势力所支配，路易王朝的爱好就 是它的爱好；法国崇尚巴洛克，法兰德斯的画家也立即改画巴洛克风格。鲁本斯的故乡是安特卫普，他的父母在德国各地流浪时，生下了他，父亲去世后，母亲带他回到了家乡，鲁本斯不久就进了宫廷，作了公主身边的 侍童，他被迫学会了拉丁语、法语、西班牙语、意大利语和英语。他还跟着叔伯哥哥学绘画，22 岁时，他成为一名挺不错的画家，终于到了他朝思慕想的艺术之国意大利去留学。 在意大利除了绘画，他的爱好是临摹提香和委罗奈斯的画，临摹得非常成功，被一个侯爵看中，这样他成了侯爵的宫廷画家。不久，他又被重用，作为外交官，到了西班牙、意大利等地。　　31 岁那年，母亲病故，他回到了法兰德斯。第二年，他与 18 岁的伊莎 欠拉结婚，婚后生活无比幸福，他信手作画，画出了《画家及其妻子》。然 而幸福的人忘不了巴洛克，在他的画中，妻子豪华的服装和衣服的皱褶完全 地表现出巴洛克式，人物也是内心幸福，表现在外的却是严肃的气味。　　在安特卫普的教堂内，有一幅有名的画叫《基督被抬下十字架》，这也 是鲁本斯这个时期画的。　　从整个画面上看，这时候是晚上，但以基督遗体为中心，却有一束激烈 的光线，把基督从十字架上放下的使徒们，身上都集中着这束光线。这束光 线实在引入注意，它是什么光呢？不用说，这种光不是月光，月光应是普照， 不能只照射这样小的范围；也不应该是灯光，因为自然科学还没发展到这个 地步。有人解释说，这是基督神性的光，当然也有这种可能。不论是什么光，　　画面上这束光和周围黑暗形成鲜明的对比，使这一点成为画面的中心和着力 点，使画面更加有力，这就是巴洛克的精神。如果从科学上或常识上讲，这 束光是虚假的，但从艺术上讲，可以说是真实的。别忘了，艺术是可以虚构 的。　　要是今天，你去安特卫普教堂看这幅画，你一定会佩服它的艺术感染力， 这得归功那束光。这幅画使法兰德斯绘画正式转向巴洛克式。 鲁本斯的名声不断地在高涨，引得许多人登门拜师，鲁本斯高兴，点了一批弟子一边教他们绘画，一边让他们作助手，继续创作。作鲁本斯的助手， 真是荣幸至极，他们积极主动，鲁本斯又出了二幅画，名字叫《基督在抹大 拉和玛利亚家里》和《狄安娜狩猎归来》。　　45 岁那年，鲁本斯突然收到一封来自法国宫廷的信件，不过，写信的不 是国王路易十四，而是他的母亲玛丽·德·美第奇。这位皇太后邀请他去法 国画画，她要用鲁本斯的画来装饰卢森堡宫。鲁本斯欣然从命，去了法国， 并一口气作了 33 幅大画。　　这 33 幅画今天保存在卢浮尔宫，画的内容几乎是这位皇太后一生的传 记。有作为国王亨利四世的新娘时的玛丽，有王妃时代的玛丽，还有摄政时 代的玛丽等等。最出名的画是新娘时候的玛丽。当时亨利四世注视着她，众 神在天上注视着他们的幸福，有众神之王和女王、有美神维纳斯，还有爱之 神丘比特等等。这场婚姻看起来是幸福无比的。其实，国王的婚姻大多是政治的需求，感情的因素很少，但鲁本斯是个外交家，会处世又是个富于诗情的画家。所以这幅画很受这位玛丽的赏识。 法国人赏识他，英国人也不屈才。51 岁时鲁本斯带着英王查理一世的使 命，被派到西班牙菲利浦四世的宫廷。这时期，他对西班牙的一位年轻的画家委拉斯开兹影响很大，后来，这位西班牙画家也一举成名。　　在西班牙的任务完成了，他回到英国，这时，他画的有名的画是《和平 的祝福》，祝福英国和西班牙之间的和平。这幅画，画面上的人，一个是知识女神雅典娜驱逐战争，一个是和平女神接受财富、幸福和微笑。据说，这幅画一出来，会欣赏的人非常赞赏它的 构图的严密、画法的有力和那种鲜艳的色彩，使得贵妇人们争先恐后地请他 制作肖像画。鲁本斯在英国凤风光光地过了两年后，回到了故乡安特卫普，他的妻子不幸病死，他又娶了第二个妻子，16 岁的少女海伦娜。鲁本斯特别钟爱这位 年轻的妻子，画了很多她的肖像画，她生了孩子后，鲁本斯又画了很多孩子 的像。　　然而，别忘了，鲁本斯自始至终都是巴洛克画家，所以，他的人物也都 是肥胖、健壮的，具有巴洛克的情趣。他画的裸体妇女也毫不柔弱，不仅是 健壮，而且脂肪过多，法国 19 世纪的丹纳甚至认为，这是因为法兰德斯地区， 人们吃肉太多的原因。鲁本斯最典型的巴洛克式作品，是《掠夺里西普的女儿》。 现今的欧洲人总是给人感觉文雅、高贵，其实，他们的“抢亲”风俗已沿袭了很多年。最早的抢亲事件发生在古希腊神话时期。这幅画表现的就是 欧洲第一起抢亲的场景。整个“抢亲”的画面都是处在动乱中，两匹奔腾跃起的烈马，两男两女交织在一起，一眼看上去，几乎辨不清他们的关系，马头、马脚、人手、人 足向四面放射出去，给人一种激动情绪的感染力。至于抢亲的男子是英雄还 是暴徒，被抢的女子是愿意还是被迫，鲁本斯可不去管它。他注意的是男子 坚硬的盔甲和女子雪白的裸体的强烈对比感觉，是男子粗黑的手臂和女子美 丽的金发的强烈对比感。　　巴洛克的绘画大师是鲁本斯，巴洛克的雕塑家，可以说是意大利的贝尼 尼。　　17 世纪的意大利，仍是欧洲艺术的中心，它的对手法国并没有完全战胜 它，罗马教廷为了更显示自己的威力，极力用豪华的建筑和雕塑装点自己， 雕塑家贝尼尼生得正是时候。　　“多面手”贝尼尼既是雕刻家又是建筑家，他建筑了罗马圣彼得大教堂 的圣堂。　　说贝尼尼是巴洛克式雕塑家，是因为他经常故意把建筑和雕刻结合在一 起，有时把雕刻与绘画又混在一起用，造成了一种特殊的艺术，即建筑、雕 刻、绘画的“三合一”混合物。严谨的艺术家说贝尼尼的这种混合物是“非 驴非马”的东西，就像西班牙的那种畸形珍珠， 因此称为“巴洛克”。　　然而，这种“非驴非马”的东西却挂在了罗马的维多利亚教堂大厅内， 画名叫《圣苔列莎的幻觉》。这是巴洛克雕塑的一件代表作。古代神话中，有这么一则动人的爱情故事：日神阿波罗爱上了河神的女儿达芙奈。可一方有情另一方无意，达芙奈拒绝任何爱情，为了逃避阿波罗 的追逐，她在奔跑。眼看阿波罗快要追上了，他的气息已经吹着了她身后的 头发，她跑不动了，就喊到“父亲，救救我吧！”话音未落，她变成了一颗 桂树。雕塑家贝尼尼被这个故事所打动，便动手雕出了一件很引人喜欢的作品叫《阿波罗和达芙奈》。表现的正是达芙奈由人变成桂树的微妙的“过渡”。 巴洛克的建筑、绘画和雕塑都讲到了，那么，巴洛克式的画家还有吗？ 巴洛克风格中还有一位特殊的画家，他的名字叫委拉斯开兹，是西班牙人。　　当年，鲁本斯受英王之命，赴西班牙游说时，在菲利浦四世的宫廷里遇 到的那位年轻画家就是他。委拉斯开兹从小爱画画，父亲也很支持，并请了一位名叫巴切柯的画家作他的老师，但更吸引委拉斯开兹的却是这位老师的女儿。 功到自然成。不久，他就与那位美丽的姑娘结了婚，老师也变成了老丈人。既然是一家人了，巴切柯为把女婿培养成一个大画家费尽了心思，最后， 他尽一切努力把委拉斯开兹介绍给了塞维利亚市长的儿子、艺术的爱好者瓦 列斯伯爵。这个伯爵不简单，被国王菲利浦四世任命为总理大臣。俗话说“爱 屋及乌”，伯爵受宠，伯爵的朋友委拉斯开兹便也进了宫廷，作了宫廷画家。 当时，国王只有 19 岁，委拉斯开兹 25 岁，两个人结成亲密的朋友。委拉斯开兹为国王画了很多肖像，其中《狩猎的菲利浦四世》特别有名。 如果不是鲁本斯的到来，他也许一辈子就呆在宫廷，为国王贵妇们画肖像了。鲁本斯慧眼识珠，劝委拉斯开兹去意大利深造。委拉斯开兹到了意大 利，饱览了文艺复兴的杰作，收获确实不小，以后，他的杰作便不断地出来 了。遗憾的是，他回国后，又被菲利浦国王召进了宫，一直到 61 岁去世。　　虽然画的还是皇族贵人，但从一幅幅肖像中，我们却能感到有一种现实 的成份和含而不露的批判精神。这与巴洛克艺术的代表鲁本斯和贝尼尼不一 佯。《教皇莫诺森十世》里就有一丝的否定和批判精神，至少，画家是不喜 欢这个教皇的。　　鲁本斯和贝尼尼的画主要是迎合宫廷贵族们的爱好。委拉斯开兹虽生在 宫廷，但他的画却有宫廷以外的另一种精神。所以，一开始我说，委拉斯开 兹是特殊的巴洛克画家，这位宫廷画家的画现实意义更浓。　　17 世纪的西班牙，黄金时代已过，霸主的地位也丧失了，马德里的街头 到处都是穷人和乞丐，贵族们能充耳不闻游乐终日，委拉斯开兹可不能，他 身在宫廷，却忘不了那些不幸的和贫苦的人。　　早在画家去意大利以前，他就非常崇拜意大利画家卡拉瓦乔，摹仿他强 调光明的对比和追求形体的坚实，而且，他也像卡拉瓦乔一样常选择下层人 物作为题材，《卖水老人》中流露出深深的同情心。那时候起，委拉斯开兹 就决定要画下层人。　　下层人中最下层的要数流浪汉和乞丐。他画了好几幅流浪汉和乞丐的作 品，还给他们取了古代名人的名字：《伊索》、《梅尼普》等等。　　拿人俸禄就得替人办事。宫廷贵人们常要他画一些白痴、侏儒来玩弄取 笑，委拉斯开兹怀着深切的同情把这些外形丑怪的人画得让人心酸，使人难 以乐得起来。请看他这类画的代表作《侏儒赛巴斯蒂安》。侏儒赛巴斯蒂安的身体像孩子一样，但画家并没有把这缺陷作为中心，所以，他是坐在地上，平伸着双脚，短小的身，臂放在腹前，画的中心是侏 儒的头部，他的头部完全是个成人，带着一份尊严、智慧和善良。可他毕竟 是受人嘲弄的侏儒，所以他的大眼睛里又含有无限的哀怨和苦痛。一个善良而富有自尊心的不幸者，却要强作欢笑，以自己的生理缺陷供贵人们取乐，维持生存，这就是 17 世纪的西班牙。画家的爱和憎跃然而出。 古希腊的神话确实生动、美丽，文学家们写它，画家更是以它为主要的 题材。委拉斯开兹画现实中的侏儒，也画神话中的美神。不过，他画的神都 是些爱劳动的神，他是想利用神话来描绘劳动者的日常生活，间接地表现自己的思想感情。　　“酒神”名叫狄俄倪索斯，也是丰收之神，所以，他的《酒神》画的是 一群在劳动休息时欢快的西班牙农民；《火神的炼铁场》画的是铁匠作坊里 的一群性格豪放的工人。最好的一幅是他去世前三年画的一幅画叫《纺纱 女》，给欧洲美术史留下了第一个最美的劳动妇女的形象，与贵妇人的故作 姿态的画像成鲜明的对比。　　这是一个制造壁毯的皇家纺织场。年轻的和年老的纺织女工们正在干 活，远处的大厅里，几个贵妇人正在欣赏一幅壁毯。　　最引人注目的是前面的一个青年女工，她虽背对观众，正忙着干活，但 她的背影中透露出青春、生命和健美。看得出，画家对她是赞美而欣赏的。 这是一种健康的、充满活力的美。　　有人说，《纺织女》是委拉斯开兹创作上取得的最宝贵的成就。是欧洲 第一部真实地表现工人劳动的杰出的作品。在这以前，意大利的卡拉瓦乔就 是一位爱画下层人的画家。正当巴洛克式雄赳赳气昂昂地向前发展，显示威力的时候，可突然间，18 世纪，巴洛克的那种堂皇的、威严有力的艺术被一个女性化的纤细轻巧的艺术所代替了，这新的一种风格叫做“罗可可”。要想知道“罗可可”究竟 是什么样的，最好还是先来看看 17 世纪末 18 世纪初的荷兰绘画，了解了荷 兰绘画，对于理解罗可可是有帮助的。　　独立前的荷兰，也是多灾多难，它原来是尼德兰的一部分，后来西班牙 强盛时，又属于西班牙统治，受到压迫和抑制。　　有压迫就必有反抗，17 世纪初期以后，荷兰人不断掀起独立运动。1574 年当西班牙军队包围滨海城市莱登时，守城的人民和战士们不惜破堤开闸， 用海水淹没敌军，可见荷兰人民要求独立的决心之大，凭着这种不惜牺牲的 精神，1649 年荷兰完全独立。　　荷兰独立后，尼德兰还剩下南方的一部分，这一部分称作弗兰德尔，就 是鲁本斯的故乡。两地虽然毗邻，但思想和文化完全不同。　　荷兰的独立，商人有一半的功劳，17 至 18 世纪，荷兰不再是王权的时 代而是商人的时代，做商人的市民们气势高涨，自信又热情，所以荷兰的艺 术差不多都是市民的艺术。　　市民们生活简朴、工作勤奋，他们经营计算，积累财富，那种追求华丽 奢侈的所谓巴洛克被他们抛之脑后。　　有一所建筑物可以证明荷兰的与众不同。荷兰独立后，为了纪念最后的 胜利，人们在阿姆斯特丹修建了一座市政大厅，现在的名字叫阿姆斯特丹城 堡。这座建筑与“巴洛克”建筑形成鲜明对比。什么圆拱门窗、飞拱，什么 柱式、孤线，什么雕花、装饰，被荷兰人一扫而光。阿姆斯特丹的市政厅只 是一座宽广的平顶大楼，排列着整齐的方形窗子，没有什么装饰，不知道的 人都以为是一座普通大学的宿舍。商人们总是讲实惠的，他们可不像贵族那样，出大钱买大画。他们也喜欢用画来装饰住宅，但只愿拿出很小的一点资金，少钱只能买小画，所以， 艺术家们便绘制一些小巧的油画，市民们买起来便宜，挂起来方便，一时间， 小油画风行荷兰。既然是挂在市民家中，让市民们看的，那么，画的内容也必须是市民的，荷兰人是不会花钱去买他看不懂的画的。另外，挂在家中的画，可不能像巴 洛克式那样威严、沉重，让人看了心头发紧，所以，这些小品一样的画必须 给人亲切感、娱乐感，或者赏心悦目感，否则，在荷兰行不通，市民们不看。 于是乎，在荷兰，风景画、风俗画、动物画、静物画纷涌而起。荷兰人家里挂得最多的，也是最好的一幅画是霍贝玛的《林荫道》，成为后世风景画的楷模。 可惜，人们只知道买画，却没记下这个霍贝玛是何许人，甚至“霍贝玛”这个名字也是两三百年以后人们才知道的。荷兰人爱画胜过了爱画家。　　《林荫道》是一幅既平凡又奇特的作品。说它平凡，因为它描绘的是一 条极普通的泥泞村路，马车留下许多深浅不一的车辙，两旁排列着细而高的 树木，参差错落，既对称又有变化。小道的那头，一个村民牵着一只牲口站 着，右边的岔道上，两个农村妇女边走边谈，还有一个妇女正修剪枝条，一 幅平平常常的农村景像。说它奇特，是因为它有一种说不出的魅力。这魅力 来自于画的一种强烈的透视感，极目远望，使人心旷神怡，一笔一画都是画 家精心构思所得。　　别看这只是一幅小油画，可它成功地表现了焦点透视的绘画技法，因此， 它常被老师带到教室，作为美术技法教学的作品示范。　　　　荷兰的小画反映了荷兰人民生活的丰富性，深受人们的喜爱，画家们也 竟然形成了一个专作小画的派别，叫“荷兰小画派”。荷兰的风景画，还有一个名手，叫路易斯塔尔，他是霍贝玛的老师。 经过几十年战乱的荷兰人，特别喜欢村野里的一架风车、一座水力磨坊、一条村路、一片果园等等，所以，在诸多题材的画中，风景画别具一格，成 就很高。　　风景画好，静物画也不错，希达的《静物画》真实而亲切、活跃而又稳 定，看似餐桌上的一堆静物不会说话，可欣赏起来，别有趣味：柠檬为什么 只削了一半就不削了？高脚盘为什么是跌倒的？另一个玻璃杯为什么打碎 了？主人上哪儿去了？是有人喝醉了吗？到底发生什么事了？等等，人们联 想不断，一堆静物中却有着很多的问题，增加了人们欣赏的情趣。　　早期荷兰画派，也即“荷兰小画派”中最杰出的莫过于肖像画家哈尔斯。 荷兰的普通市民像喜欢风景画那样喜欢肖像画。在当时，画肖像就如同 现在去照像馆照像留念。各种工商团体、社团公会集会后常请画家画他们的 群像作为庆祝或纪念，也就是现在讲的团体照。哈尔斯在当兵的时候，闲来 无事，便为士兵们画像打发时光，他的肖像画就越来越好。请他画像的人越来越多。他的人物画像个个性格鲜明，十分肖似。　　他最好的肖像画是他 55 岁时画的《吉普赛女郎》。她美目流盼，俊俏里 带有“野”味，这位美貌泼辣、自由不羁的少女形象留给后人吉普赛姑娘的 整体形象。哈尔斯的像画得好，但晚年却在老人救济院中度过并死在救济院里。荷兰最伟大的画家是伦勃朗。 伦勃朗生前勤奋不息，死后名声日增， 伪作遍布全球。西方美术界有句笑话说：“伦勃朗一生画了六百张油画，其中有三千张在美国。”现在，即使是历来被人们公认的伦勃朗真迹的 600 件油画，又引 起了争论。伦勃朗到底有多少张画？1968 年，伦勃朗逝世 300 周年，荷兰的 6 位艺术家抱着对祖国、对艺术负责的态度，组成了一个调查团，他们访问了世界 各大博物馆和一些私人收藏家。还对现有的 600 张原作进行审查，最后，他 们又提供了一个答案，就是伦勃朗的真迹只有 350 张。伦勃朗的画真正叫一画千金。所以，尽管博物馆严加防犯，但他的画常常被盗，常常成为轰动世界的新闻。比如 70 年代初，在邦奈博物馆，他的一 张名叫《拉比的头像》的画晚上不翼而飞。当时，惊动了欧洲和美洲两大洲 的大批警务人员。这张画其实只是一张 9 英寸高的小画，但价值惊人，值数 十万美元。就是在今天的拍卖场上，伦勃朗作品的价值还在上增。　　法官的儿子并非都是法官。画家的父亲也不一定非要是画家。伦勃朗的 父亲是莱顿市的一个面粉商，对美术一窍不通。面粉商送儿子上大学，一心 一意要儿子当个有地位的律师，可伦勃朗爱绘画胜于法律。仅仅在大学读了 6 个月，他就休学并对家里人宣布，他要正式学画。 功夫不负苦心人，24 岁时，伦勃朗变成了一位有成就的画家。他好事连连，又与一个出版商的表妹相爱了。 她的名字叫维庸布尔克，她虽是孤儿，但接受了大笔的遗产，伦勃朗不顾她家人的一致反对，终于在 27 岁与她结婚了。 伦勃朗对这次婚姻看来是非常得意的，他为自己和妻子画了一张画，画面上他把妻子抱坐在膝盖上，举杯祝贺，他的脸上看起来是如此的幸福！不 知是羡慕他俩的感情还是赞美这幅画画得好，反正这幅画人们都很喜欢，既 然喜欢就多画几张，伦勃朗让妻子坐在腿上又画了好几幅，他的名声也就越 画越高。　　绘画的收入在不断地增加，妻子又带来了一大笔的陪嫁，伦勃朗准备好 好享受生活，他买了一栋漂亮的住宅，收集了大量的珍藏品，花大钱来打扮 他妻子，闲来无事便为妻子画像。一时间，伦勃朗觉得自己就是世界上最幸 福的人。　　幸福的时刻，伦勃朗没有忘记绘画，他推出了他的一幅大作叫《解剖学 教授》。画面上表现的是：阿姆斯特丹大学的尸体解剖室，教授带着几个医 生正在解剖尸体，场面冷峻严肃，教授一边在解剖尸体，一边还在向医生们 讲述着什么，看起来，他正在为自己的博学而得意，一旁倾听的医生们露出 惊讶佩服的神情，不愧是部卓越的杰作。　　这幅像的成功，给他引来了大量的雇主，最高时每年可得到 50 件订货。 不过，伦勃朗没有蓄财的嗜好，他每拿到一笔钱转眼就去买他喜欢的艺术作 品。　　伦勃朗买画，不但买外国和古代的名画，也买一些无名画家的画，只要 他觉得好。甚至有时，在画店买画时，他自己抬高画的价钱，老板说 100 美 元可以卖给他，可他却说值 150 美元，并潇洒地拿出 150 美元给老板，买走 这幅画。伦勃朗为什么这样做，他说，这样做“是为了维护艺术职业的尊严”。 如果，伦勃朗是个生意人的活，他完全可以按以前那样的风格去画画、卖画，也会发大财。可他是个艺术家，他要不断创新。　　他吸收了卡拉瓦乔的明暗法，造型更加厚实，色彩也更加丰润华美。这 还不够，他要从画中表现出一种艺术的语言。所以，他画宗教的故事画，总 带着丰富的想象力，使人想到现实。有钱的雇主们认为艺术就是艺术，“现实”周围到处都是，何必要反映到艺术中呢？他们认为伦勃朗在艺术道路上迷路了，且越走越远，他们再也 不买伦勃朗的画了。手里捏着钱的商人无法理解什么是真正的艺术。1642 年，一群军官委托他画一张集体肖像。这些人都是军官，必须人人都要完整地表现出来，伦勃朗完全可以像《解剖学教授》那样，把光线集中 到每个人脸上，迎合雇主的心理，但他不愿墨守成规，结果，他把这张群像 画成了一幅具有戏剧性的风俗画——一群军人正在长官的带领下出发巡查。 另外，为了追求光线明暗的效果，许多变成士兵的军官又不得不被隐没在层 层的暗影中。画作出来了，可订画的雇主们提出强烈抗议，他的好名声也被 破坏了。这幅画本来阴暗的光线就不少，再加上时间长了变得更暗，结果给 人们的感觉是，长官带着士兵在夜里巡查，后人称之为《夜巡》。　　这幅《夜巡》至今还挂在阿姆斯特丹的美术馆里，在这幅画前，总是围 满了人。在今天，它被人们认为是世界的杰作，可惜当时的人却没看出它的 价值。　　真是祸不单行，也就在伦勃朗为《巡查》而倒霉的这一年，更大的灾难 发生了，他的那位爱坐在他腿上的妻子去世了，给他留下了一个儿子，他俩 幸福地生活了八年，伦勃朗的悲伤是不用说的。　　妻子死了，订画的人也不来了，收入突然中断，他还债台高筑。于是， 这位曾名声辉煌的画家不得不搬到犹太人住的小镇上，租了一间廉价的小　　屋。　　遇到这种不幸，想不开的人便无路可走，可伦勃朗心宽，他迫使自己不 去顾及现实，慢慢地，他的心灵便转向了大自然的宁静。以后的几年，他画 的大多数是风景画。《三棵树》就是这个时期的名作。　　画中画的是阿姆斯特丹的郊外的景色，包含着湿气的云彩和斜射到地面 上的光线交织在一起，给人自然景像的美感和幻觉。这幅画虽然是幅小品画， 但也是风景画中的杰作。　　伦勃朗还是伦勃朗，他可不管别人怎么看他。他又娶了一个妻子，这个 人是一直照料他儿子的女仆。他又以这个妻子为模特，画了许多画，不过， 不管他怎样努力，他的名声再也不能恢复了。　　大概是为了消除寂寞，或者是寻找精神上的安慰，伦勃朗开始画宗教画。 翻开伦勃朗的画册，他画了许多圣经故事的画，他的圣经画不是表现某 个人物，而多数是描绘某一个故事情节，所以有人说，他是一个“情节性绘画”的能手。 他的圣经画还有一个特点，就是把传说中的人物当作身边所见到的下层人来画。 据说，大画家米开朗基罗曾为教皇画圣经画，教皇让他给圣徒们画上金衣服，米开朗基罗拒绝了，说圣徒们“本来都是些穷人”。　　卡拉瓦乔比米开朗基罗更干脆，他直接把流浪汉和苦力们拉进了他的宗 教画中，引得教会圣职人员大怒。看来，伦勃朗把圣经融入现实是有源头的，不过，他比起两位前辈来，更有一种温暖的感情。 马克思话说得好：“伦勃朗是按照荷兰农妇来画圣母的”，意思就是，下层粗朴的人身上照样有着崇高的美和理想，有着纯净的品格和温柔的情感。 请看他的画《圣家族》。 这个“圣家族”不是充满基督及弟子的家族。要不是左上角的窗户里有几个小天使正飞进来，你一定会以为这是一个穷苦农民的家庭：一位穿着朴素的农家少妇，腿上盖着一件厚厚的衣服，脚边是一个古老的暖炉，她正坐 在那里读书，一本大书正放在她腿上。这是一本什么书？是圣经书还是歌谣 书？美术家们现在还在探讨，我们且不去论它。大概是想起了身边的宝宝， 她正转过身来掀开摇篮的衣服，面带关切之情看她初生的宝宝睡得如何。画 的背后是一个男子正不停地挥着斧头在劳动，然而孩子并未被惊醒。这是一幅“救世主”家族的画，农妇样的母亲是圣母玛丽亚，挥斧劳动的是玛丽亚的丈夫圣·约瑟，酣睡的孩子就是基督耶稣。这里看不到“救世 主”的高贵和神圣，展现的却是农家生活的温馨恬静和幸福。　　看《圣家族》，不自觉地，人们眼睛会被光线指挥着走：最先映入眼帘 的是母亲那健康的圆脸和手上那本厚厚的大书；然后随着母亲的眼光注意的 便是摇篮和里面的婴孩。再注意到的就是窗户和小天使，最后仔细辨别，会 发现昏暗背景上的父亲，正拿着一把斧头。　　圣母玛丽亚不是神，也不是上层高贵的妇人，而是一位充满感情的下层 朴实而健康的农妇。　　《基督向穷人说教》是一幅有名的铜版画，作画的材料变了，可内容主 题没变。认识伦勃朗的人也许会知道，画中的人物，不论是穷人还是基督， 都是伦勃朗的犹太邻居。他们展现出复杂多样的性格和心理，有的感动，有　　的沉思，有的怀疑，有的悲愤，这些感情伦勃朗非常熟悉。 伦勃朗确实胆大，与众不同。因为圣经上说耶稣是被犹太人害死的，所以从中世纪以后，犹太人的日子一直不好过，到处受歧视。可大胆的伦勃朗 竟然把耶稣画成了大鼻子的犹太人，他的圣徒们也都穿着犹太人的服饰。可 见他与犹太人的感情之深。　　画了一张群体的犹太人，伦勃朗觉得还不过瘾，又画了一张犹太人的肖 像叫《犹太老头》，探讨普通人的精神世界。　　美术史家们都说，虽然伦勃朗没有留下一句关于自己的文字，但他却是 历史上让人感到最亲切的画家之一，因为，他的许多自画像说明了这一点。 在他生命的最后年代，他作了一幅《自画像》，人们认为这是美术史上 的奇特之作。画上笔法苍劲有力，色彩厚厚一层，犹如铸铜一样闪闪发光， 画家披着旧衣服，眯着眼睛，张着嘴巴。既慈祥又有一些哀伤。这时候他的第二个妻子和心爱的儿子已经去世， 留下他孑然一身。 晚年的伦勃朗确实凄凉无比。他所有的东西都被债主拿走，死时只剩下一个画具箱和一件披在身上的旧外套。 伦勃朗死了，荷兰再也没有出现第一流的绘画大师。“荷兰小画派”仍然在为市民们画着画。 现在我们可以看什么是“罗可可”了。和巴洛克一样，罗可可也是一种艺术风格或者说艺术式样。17 世纪是巴洛克的天下，那么，18 世纪就是罗可可的世界了。 什么是“罗可可”呢？罗可可，最初指的是一种室内的装饰，是路易十五时代的时尚：用贝壳、石子作成假山，放在室内作为装饰。看起来有点混乱，不过当时的人却认为 潇洒，便流行起来，几乎家家、室室都有。后来，人们又稍加变形，作成旋 涡波纹形状或花样的形状用来装饰，人们称之为罗可可。罗可可的发音与巴洛克相近，但意义不同，表示“螺贝”的意思，因此，人们把它用来形容那种蜷曲的线条和繁杂装饰的风格。 罗可可的室内装饰成风以后，很快启发了建筑师，于是建筑雕刻一窝蜂也都罗可可了。　　罗可可式认为 17 世纪的雕刻不好，过于威严，装模作样，应该生动一些 才好；衣服的皱褶深雕不风雅，要想风雅就应该浅雕。说到建筑，也是这样， 罗可可把巴洛克的那种粗大的柱子和高大的楼梯全盘否定，柱子变小了，楼 梯也变小变矮了。　　一句话，18 世纪的罗可可喜欢的是小巧、珍奇、雅致、轻快、富有生气 的东西。　　罗可可的出现与法国国王路易十四的死有关系：路易十四可以说是欧洲 最有权威的一个皇帝，他就认为，君权是神授的，别人改不得；他还自称是 “太阳王”。他对国内采取控制政策，对国外总想侵略。他甚至为了让自己 的孙子能当上西班牙皇帝，和西班牙打了 12 年的仗。他从登基后，整整做了54 年的皇帝不愿让位。俗话说：“鸟之将死，其鸣也哀；人之将死，其言也 善。”直到临死时，他才说自己的好大喜功使国家劳民伤财，国力衰退。　　路易十四的死讯一传出，法国人民奔走相告，异常高兴，他们饮酒祝贺， 好像身上的一个重担被卸掉了。宫廷的贵族们被压抑了 54 年，终于得到了解 放，他们觉得这一下可以更享乐、更放纵、更自由了。罗可可式正合人们心　　意，于是，立即时髦起来。 所以，罗可可的艺术中心还是在法国。 那么，这个罗可可式的绘画，是什么样子的呢？　　和巴洛克一样，罗可可绘画，主题也是贵族的，大部分是国王和贵族的 肖像画。和 17 世纪相比，人没变化多少，肖像却大变模样，都是豪华纤细的， 即使是健壮的男子也不再健壮，似乎有些女性化，看着纤瘦文弱。真是滑稽，17 世纪的肖像女人男性化，18 世纪的则是男人女性化。 既然是放纵享乐，那么，舞会、野游也常常举行，很多的画也表现这种场面。这是罗可可画的内容，而罗可可的绘画技术也与巴洛克截然相反。 巴洛克要用强烈的明暗对比显示力量，罗可可却不，它要给人一种轻快平和的感觉，看起来柔和；巴洛克要浓抹，罗可可却喜欢淡妆，它厌弃浓重 艳丽，常常用银色、不鲜明的金黄色、白色等着色，轻淡而稳静；线条的使 用上也不像巴洛克那样曲折夸张，而是柔和的曲线。　　罗可可与巴洛克完全不一样。罗可可的绘画之花率先开在法国，第一个 要介绍的人名叫华托。　　华托的父亲是个泥瓦匠，对华托成为画家没有丝毫的影响。而且，他父 亲常叫他去做一些小工，挣点钱。他虽然爱画画，但买颜料的钱都没有，毫 无办法的时候，他孤注一掷，两手空空到了巴黎，他要当画家。巴黎并非遍地是黄金，华托用最低的价卖自己的画，维持生活。一个画布景的人叫吉罗特，把他收为自己的学生，没想到，这个学生异常聪明刻苦， 画戏剧广告比老师还好，吉罗特开始嫉妒华托了，不久，便把华托赶出了自 己的画室。不过吉罗特使华托了解到了意大利的风雅。这一回，华托又作了名叫安德兰画家的学生。安德兰此时正负责监督一个藏有鲁本斯 36 幅壁画的宫殿，华托便近水楼台，研究这个巴洛克大师的作 品，他的《化妆的女人》就有鲁本斯画的影子。真是树高召悲风，这一次华托又遭到了老师安德兰的嫉妒，不过，华托也变得聪明起来，不用老师赶，他便引退回到故乡进行创作。29 岁那年，他 终于被发现了，成为一名光荣的美术院的会员。有了这个受人尊敬的身份，他便开始出入贵族沙龙，和体面的、优雅的贵妇人来往。这样，贵族崇尚的罗可可式生活趣味也就传给了华托。比如， 这个时期，他有一幅画叫做《谈笑》，画面上，一个贵妇人手执扇子，悠雅 自在，乐师在吹笛，可她并没有在听，而是和一个男子在谈笑。如果这个贵 妇人要是很认真地专心听笛声的话，她就不是罗可可式里的贵妇人了。　　同样性情的贵妇人，又出现在《任性的女人》里。年轻的贵妇与情人同 性子，撅着嘴， 煞有介事地提着裙子要离开，可又坐在那儿不走，等着情人 赔不是，情人却不慌不忙地逗乐似地说着什么。足能表现出华托观察事物的 精细和刻划人物的本领。华托最有名的杰作是《发舟西苔岛》。 西苔岛是希腊神话中爱神、诗神游乐的一个美丽的岛屿。画中表现的是：风景优美的岸边，一对对贵族男女将要登舟去岛上游乐之前的景像。人们把 这幅画常常看作为表现动作的过程的画，从右边看起，每对男女情态都不相 同，最右边的是“劝说”的过程，往左，两人不说话是“相持”，再往左， 是“犹豫”，然后就是“欣然接纳”，高高兴兴去西苔岛。不仅构思奇特，
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